martad envia:

Este disco me lo ha pasado mi hermano Miguel y como me ha gustado mucho lo comparto con vosotros (con su permiso, claro).

The Churchill Downs recorded 16 great tracks at the studio from famous producer Gary S. Paxton. The band was very young at the time but the musical output was on the highest level you can imagine with a damn good production. How can a band like this not become famous is a mystery. Fantastic compositions, great multi vocal singing, strong guitars, organ, drums, bass, effects, everything you desire to get catchy Underground songs with tons of great ideas in it to make those songs unique and out of bounce and not middle of the road. It is just what we love about the productions of Phil Spector and Andrew Loog Oldham.
The Churchill Downs are one of the best US unknown albums among Beauregard Ajax and Public Nuisance. With Don Adey on guitar & vocals, Gary Dalton Stovall guitar & vocals, Dirk Acree bass & vocals, Mick Newton keyboards & vocals, Al Stigler & Fred Darling on drums. If we could go back in time, lets say 40+ years and release this album in 1968 we would have been rich. Why this album was never been pressed is still a mystery.

 Coscolin Envia:

 Estos veinteañeros nacidos musicalmente de las entrañas más desfavorecidas de Manchester, y de las mismas salas de ensayo de Macclesfield donde Ian Curtis daba también sus primeros pasos junto a Joy Division, salen ahora a la luz y tras varios EP’s publicados desde 2004, con un largo memorable que lleva por nombre Stuck in this ocean.

Once temas que te atrapan desde el primer momento a través de los gritos provenientes del más allá con los que empieza su single “algebra”, y que en un magistral y trascendental cambio de registro te ponen la piel de gallina para adentrarte en su particular universo musical cargado de placenteras tinieblas espaciales, iluminadas de vez en cuando por lejanos cuerpos celestes como pueden ser “Organ”, “This is Hell” o el tema homónimo al álbum “Stuck in this ocean”, todos ellos en la segunda parte del disco.

Y es que si bien es cierto que según uno se va acercando hacia el final del disco, va viendo poco a poco algunos destellos de luz, la primera mitad del álbum es deliciosamente oscura. Guitarras potentes, teclados enigmáticos, y los contundentes ritmos de bajos y batería acompañada de la profunda voz de Eliott, hacen que el encadenado de “Kids”, “Gold Watches” y “Spirit Party” unidos a los 8’20’’ de “The Trial of Mr Riddle” (con cuatro minutos de distorsiones) un incontestable comienzo con seis de los primeros temas más valientes con los que un álbum de debut haya comenzado, y sin duda que de una calidad difícilmente alcanzable.

Pero no se equivoquen. Oscuridad, ruido, distorsión… adjetivos que podrían dar paso al descontrol o al desmadre, pero que en esta ocasión para nada tienen lugar, pues en el universo de Airship, es la madurez pese a la juventud lo que triunfa, es el equilibrio, los sonidos potentes pero compensados, la exquisitez y la delicadez dejada en manos de una música a veces difícil de calsificar.

Te gustarán sin duda si te gustan Glasvegas o Editors, pues estos compatriotas de Morrissey y Curtis, tienen muy claro cuáles son sus orígenes (y en cierto modo se perciben influencias en sus canciones), pero tienen muy claro que la música al igual que todo, evoluciona, y de seguir así, seguro que el futuro les pertenece.

 Knos5 envia:

Sorprendente la garra y ganas que le pone este fideo tocando la guitarra y cantando. Una voz y personalidad rasgada por el Whisky que se desboca con entusiasmo en las buenas piezas que contiene este trabajo. A disfrutarlo toca. Salut.

 Fulcanelli envia:

Labour of Lust fué como una prueba crucial para Lowe. Su compañía discográfica británica, Radar, había firmado un contrato con Columbia en los EE.UU., donde la resistencia de la radio para la nueva música britanica de finales de los 70 estaba en un punto alto. Su primer álbum, llamado Jesus of Cool en el Reino Unido, fue retitulado Pure Pop for New People para el mercado americano y fue justamente eso - pop puro. Pero a pesar de que un par de singles fueron sacados de el, se dejó caer. Gregg Geller, quien estaba supervisando el nuevo álbum Labour of Lust para Columbia, pidió a Lowe incluir una canción que había grabado con su antiguo grupo, Brinsley Schwarz, y resultó que la pista "Cruel to Be Kind" marcó la diferencia .

"Cruel to Be Kind" era y sigue siendo, el más grande hit de Lowe en EE.UU., alcanzando el puesto 12 en el Billboard.

 Francisco_ envia:

XIT estaba al principio basado en Albuquerque, Nuevo México. Los miembros incluyen al fundador y Tom de Galardonado de Música americano nativo Bee, (el escritor de lírica sobre la Situación grave del Redman). El grupo original era A. Michael Martinez (el cantante y la guitarra de plomo sobre la Situación grave), el amigo Suazo (el narrador y el bajo sobre la Situación grave), Lee Herrerra (tabalea sobre la Situación grave), y la R. C. Garriss (2a guitarra de plomo sobre Situación grave). "XIT" significa " el cruce de Tribus indias ", según Tom Bee. Su música a menudo dirige los temas de publicaciones históricas y contemporáneas americano nativas. Su grabación inicial, la Situación grave del 1972 del Redman, es un álbum de concepto sobre los cambios de la vida americano nativa desde la llegada de Columbus.

 Emerad envia:

They started rehearsing in San Antonio in 1967 using a temporary name Willowdale Handcar although prior to this Prince, Cox and Fore had played together in Corpus Christi as The New Seeds. The name Bubble Puppy was chosen whilst they were high on acid at a Hendrix Concert flicking over the pages of Aldous Huxley's 'Brave New World'. With their new name they headed for Austin where they played at the now legendary Vulcan Gas Company but after being signed by International Artists they moved on to Houston. Their first 45 reached No. 9 in the U.S. charts in March 1969 and combined hard rock with fresh vocal harmonies. Their album, which actually reached No. 176 in the U.S. Album Charts, was similar in style and, although their three subsequent 45s never achieved the success of the first, they became International Artist's most successful act after the 13th Floor Elevators.

During a tour with Steppenwolf Nick St. Nicholas convinced them to move to California which they did signing to Steppenwolf's ABC/Dunhill label. Here they changed their name to Demian issuing an album in 1971. Later in 1977 they reformed as Sirius. However, the story was not over. They re-emerged in 1987 with a new album which contained new versions of their old classics as well as fresh material but which frankly showed them to be a shadow of their former selves.

 Jllopez envia:

Octopus' origins lay in Hatfield, 30 miles from London, and a mid-'60s quartet called the Cortinas (the name came from an English Ford compact car), made up of Paul Griggs (guitar), Nigel Griggs (bass), Brian Glassock (drums), and Rick Williams (guitar). By 1967, the Cortinas had moved from Brit beat into pop-psychedelia and cut one single (Phoebe's Flower Shop") for Polydor without success. The following year, the quartet renamed and redirected itself and Octopus was born. The band earned a support spot to Yes which was, itself, an up-and-coming group at the time. They also appeared on stage with acts like Status Quo and Humble Pie, and were discovered by Troggs bassist Tony Murray, who helped get them a record deal with independent producer Larry Page, who was the Troggs' manager. Octopus was signed to Penny Farthing and released a single, "Laugh at the Poor Man" b/w "Girl Friend," in 1969. Midway through the recording of their debut album, Restless Night, Glassock and Williams quit the band, and it was a re-formed Octopus, with John Cook on keyboards and Malcolm Green on the drums, that finished the record with Murray producing. The resulting LP was popular in Hatfield but never found an audience anywhere else. Restless Night was a surprisingly pop-oriented affair considering Murray's regular gig. The music is on the smooth, commercial pop side, with the psychedelic elements mostly in the fuzztone guitar and organ flourishes, mixed with the music's general melodic nature. The band was good enough to get booked into the Marquee Club in London in 1969, but their career arc was far more shallow than that of heavier weight contemporaries such as King Crimson. The group pressed on for another two years, including tours of Europe, but disbanded in 1972. John Cook later joined Mungo Jerry, while Malcolm Green and Nigel Griggs later became members of Split Enz. See for Miles reissued Restless Night with extra tracks off of their singles in the 1990s. This group has nothing to do with the band named Octopus that recorded for ESP at the end of the 1960s, or the more recent band of the same name.

 Fulcanelli envia:

John Hiatt lleva nada más y nada menos que casi 40 años dedicándose a sacar estupendos discos y a consagrarse como referente de un tipo de música, y también de actitud, que en nada tiene que envidiar a la de nombres, por otra lado de indudable calidad, como Tom Petty o Bruce Springsteen.

De extensísima discografía, abarca desde mediados de los setenta hasta la actualidad, sobresale entre las creaciones de John Hiatt el magistral y esencial “Bring the family” (1987), un disco de puro sonido de raíces de asombrosa perfección en todos los registros que abarca, gracias en buena medida también a la banda de la que se rodeó, formada entre otros por Ry Cooder o Nick Lowe.

“Dirty jeans and mudslide hymns”, su nuevo álbum, es otra pieza más dentro de lo que se podría llamar esta última etapa del músico norteamericano. Aquella que se inició con “Master of disaster” (en esa ocasión flanqueado por los North Mississippi Allstars) y en la que realiza un rock americano sobrio, contenido y de alto calado emocional. En esta ocasión, y junto a su banda habitual de los últimos años (Doug Lanco, Patrick O’ Hearn y Kenneth Blevins), ha contado para las labores de producción con Kevin Sherley (Joe Bonamassa, Black Crowes, Aerosmith o Led Zeppelín) que ha supuesto implementar el tono dramático a sus composiciones, cosa que dicho de paso les viene a las mil maravillas.

 Yo aún me acuerdo de cuando cayo en mis manos el primer volumén de esta serie, un vinilo que guardo con mucho cariño, y las sesiones que me daba día a día con él. En esta edición teneis los 2 primeros volumenes, no sé si hay alguno más, junto con un libreto con información de cada uno de los grupos y su discografía. Espero que lo disfruteis y os guste.

Crítica de All Music:

These days, dusting off obscure old garage-psych songs by semi-forgotten bands is all the rage, but that hasn't always been the case. In the early ‘80s, when underground rock was all about post-punk and new wave, psychedelia didn't have the kind of cool cachet it would eventually possess, the delights of ‘60s rock esoterica were just beginning to be mined by adventurous archivists and curious crate-diggers. At that time, the two-volume Glimpses compilation appeared, jam-packed with the psych-slathered gems Nuggets missed a decade earlier. Thankfully, the CD reissue of Glimpses ensures that these songs won't become rarities all over again. A few of the names on Glimpses may be familiar, having appeared elsewhere on other reissues or compilations; the Dylan-circa-Highway 61 sound of Mouse & the Traps was made semi-famous by Nuggets, and the band's recordings were anthologized years later, as were those of Mystic Tide and the Baroques. The latter's two tracks turn out to be among the trippiest and most atmospheric in this collection. The most well-known band here is the Buckinghams, whose pop/rock singles were denizens of the Top 40 in the mid- to late ‘60s, but "Don't Want to Cry," the B-side to their second single, "I'll Go Crazy," is tougher and grittier than most of the tracks here, let alone the smoother side of the band's own discography. Of course, Glimpses is still dominated by artists known only to hardcore garage-psych obsessives, but upon hearing the fuzztone-guitar/reedy-organ attack of tunes by the Troyes, the Yorkshires, and the Ninth Street Bridge, it's easy to imagine some band of young upstarts receiving them like a revelation and basing their entire sound around them.

 (...) Then there is the cover of the compilation Those Shocking Shaking Days.
The title alone is cause for pause as the phrase encapsulates the disorder of today.
Yet the image of five men in crisp leisure suits posing in the middle of a thick forest relaxes the senses.
Another place, another time.
In this moment, 1970s Indonesia becomes a sign of hope - the calm amidst the chaos of surrounding, seemingly out-of-control forces.
Granted: Indonesia is dealing with its share of problems today.
The fourth largest nation in the world with the largest single Muslim population suffers from active terrorist networks and a legacy of colonialism and military dictatorships.
But it is also a nation that survived three centuries of Dutch control, achieved independence after World War II and since redeveloped its national identity and economy.
At the height of this turbulence was a military coup in the mid-'60s that ushered in an influx of Western culture and products.
Rock - the one true international currency of the mid-20th century - was widely embraced by Indonesian musicians.
While numerous acts from this period emerged as national treasures, Those Shocking Shaking Days is instead a snapshot of the depths of Western influence - particularly its psychedelic, progressive and funky parts - during this period.
Compiled by Egon Alapatt with help from Canadian producer Jason “Moss” Connoy, Indonesian rock musician Benny Soebarjda (who is also featured on this collection) and Indonesian ex-pat/researcher Chandra Drews, the compilation presents the evolving Indonesian music scene as a parallel movement in the nation's political and social change.
The collection opens with a clear thesis of how the period reflected a miscegenation of cultures.
"Haai", by a group of brothers called the Panbers, is a curious mix of hard prog rock, trippy breakdowns and, as their peers described it at the time, "common" indigenous sounds.
The case is made further by the inclusion of several relative "star" acts like the Rollies, the group that initially sparked Egon's interest in pursuing this compilation.
Its contribution "Bad News" is a sprite Popcorn-esque "Bad Luck", good for shuffling while doing your weekend cleaning.
The controversial and domestically popular Aka are represented with two very different cuts: the dirge rock of "Do What You Like" and funky sex ode "Shake Me", which opens with a memorable call-and-response asking whether the band likes various drugs ("No!") and sex ("Yes!").
Koes Plus is arguably the most established group in this collection owing to its immense popularity from the '60s onward (insert requisite comparison to the Beatles).
The group distinguished itself during an era of Western cultural embrace by singing principally in Indonesian and writing its own material.
It is hard to get a sense of the group's importance through one song, especially a psychedelic outlier like "Mobil Tua", but the presence of the prolific group (who apparently recorded over 70 full-length albums) lends credibility to the notion that Western influences were widespread.
Those Shocking Shaking Days often highlights songs or acts with a political bend, given the charged times.
The Gang of Harry Roesli's contribution is principally instrumental, but its title "Don't Talk About Freedom" is a window into bandleader Roesli's politics.......................

 In 1972, and now without guitarist "Yodi" Godoy, this Argentine band Vox Dei released "Jeremías Pies De Plomo", one of their best LPs of the 70s (nonetheless all their 70s' stuff is enjoyable).

Ricardo Soule on guitar, vocals and violin (and occasionally acoustic bass), Willy Quiroga on bass and vocals & Ruben Basoalto on drums built a solid rock album here, finely biased toward the bluesy side, and with the typical "power trio" structure, besides of some progressive touch, though the album it's a little bit short, with its 33 minutes of running time.

The amount of highlights galore fluctuate from the heavy rocks "Jeremías pies de plomo" and "Por aquí se te echó de menos", to the bluesy and folk tracks "Ritmo y blues con armónicas", "Sin separarnos más" or "Ahora es el preciso instante", and finally the heavy and progressive "Detrás del vidrio", divided in two parts, and showing a band with a huge talent, and that shoud get more recognition than what they got imo.

"Jeremías pies de plomo" is a Vox Dei classic album, and maybe their most cohesive and solid record until the day of today. (by Death Metal Doll from RYM

 Cuando The Pirates llegaron con su primer disco en el 77, ya estaban en su "segunda juventud".
Johnny Kidd & The Pirates con "Shakin 'All Over" fue el nombre de la exitosa cancion por el que siempre será recordado .
Johnny Kidd murió en un accidente automovilístico en el '66 y la banda se disolvió. Se reformó de nuevo con valentía en el 76, justo cuando el punk comenzó .
¿Cómo es que tres hombres en sus treinta años llegó a ser tan popular entre los jóvenes punks.
Las palabras claves aquí son la energía, rock and roll y las tripas! El guitarrista de la banda, Mick Green, logró convertirse en un héroe de la guitarra-en el apogeo del punk! Y eso fue todo un logro.
"Long Journey Home" es el primer tema del disco, donde Mick Green ya demuestra su estilo , jugar el plomo y guitarra rítmica al mismo tiempo! Un estilo tan admirado por Wilko Johnson, Dr. Feelgood, que modeló su propio estilo basado en gran parte en Mick Green.
Bajista y vocalista Johnny Spence tiene una voz ronca, ronca que se adapta a este rock and roll.
Sigue con "Woodoo" segundo tema del disco.
El baterista Frank Farley juega con un estilo sencillo pero potente y eficaz, importante para la presión y la unidad detrás de bajo gruñido de Johnny y la guitarra de Mick muy fuerte.
"All in It Together" muy bien con un estribillo muy pegajoso y ganchos grandes.
"Johnny B. Goode 's Good" como el infierno, rápido, fuerte y creo que fue escrito como un homenaje a Chuck Berry.
"Johnny B. Goode", que viene a continuación, grabado en directo.
Nada menos que increíble! "I'm Talking About You [Live]", otra canción de Chuck Berry que viene a continuación, en vivo también, Pura música de fiesta.
Shakin' All Over, increible.
Saturday Night Shoot Out.
Honey Hush [Live]
El tradicional "Diggin 'Mi potatoes" le hará sonreír si escuchas la letra, y es la canción más relajada en el álbum, aún lejos de ser una balada.
"Four to the Bar" resulta ser el tema perfecto.
El contraste es enorme cuando suena "Shake Hands With The Devil" sigue con una apertura estruendosa y termina con una gran explosión.

 Emerad envias:

David Shutt was a record collector from Austin, TX with a passion for garage rock and early psychedelia from the Lone Star State. Eager to spread the word about the many great but hopelessly obscure records he'd unearthed over the years, Shutt was responsible for a series of limited-edition vinyl compilations released under the umbrella title Flashback, which featured choice rarities from his archives. The original LP editions of the Flashback series (the last two volumes were billed as Texas Flashbacks) were pressed in small runs of only a few hundred copies, but they've been reissued in various forms by several collectors' labels over the years, and now Psychic Circle (run by Nick Saloman of the Bevis Frond) has brought together the complete series in a box set called Texas Flashbacks, Vols. 1-6. The material has been cleaned up sonically for this edition, with greater success on some tracks than others; a few bits show the effects of a bit too much digital noise reduction, but for the most part, this sounds better than the average collection of vinyl-sourced rarities from the '60s. From a musical standpoint, these six discs lean to rarity over strict quality, but on average, each volume is at least as good as the average installment in the Pebbles or Teenage Shutdown series, and the fact all this music came from one state within a space of a few years says a lot about how good the rock & roll scene in Texas was in the mid-'60s. This also is a bit more eclectic than most garage-centric compilations, often acknowledging the Lone Star psychedelic scene, which more strongly dominates the track listings on the final two discs on this set. This also may be the only garage rock collection that features not one but two bands featuring a violin (Shiva's Headband and the Mind's Eye), as well as two bands boasting future members of ZZ Top (the Moving Sidewalks and the Warlocks). The set is a bit bulky and the packaging leaves a lot to be desired (the sleeves for the six discs reproduce the original artwork for the LPs, which would be more impressive if the graphics weren't so ugly), but the accompanying booklet includes useful data on nearly all the bands (a few still remain unknown all these decades later), and if this is for hardcore garage and psych fans, most of them will feel well-served by this box set. AllMusic.

 Kikas envia:

1973 "Es una nube, no hay duda" is just another top-notch record by this Argentine legend of the 70s' rock, Vox Dei, and their first album for a major company, CBS.

These years 1970 -1974 are usually deemed their prime, in creative ideas and solid albums, like this one, featuring highlights like 'La verdadera historia de Sam el montañés', the folk-ish 'Prométeme que nunca me dirás adiós', the gorgeous 'Es una nube, no hay duda' and 'El faisán y la codorniz'.

Their taste for the song-oriented melodies a la Uriah Heep, mixed with some obscure overtones which remind of the Led Zeppelin heavy rock, and by the way, all the muses in their right place, just delivered another high-quality LP, even with interesting lyrics, no less.

"Es una nube, no hay duda" is, in my opinion, one of the most enjoyable albums of the Argentine rock of its time, and it's warmly recommended, as any 70s' Vox Dei record. (by Death Metal Doll from RYM).

 Coscolin envia:

Este vinilo lo tengo gracias a Yardbyrd amigo y compañero de la web que me lo regalo junto a otros vinilos mas,
fue en la quedada Madrilena celebrada hace ya un tiempo, emocionante fin de semana.
El disco estaba un poco trillado pero como tengo mas tiempo del que me gustaria me lo he currado,
a quedado bastante bien de sonido, media hora muy divertida.
Yardbyrd, vá por ti.

Naz Nomad and The Nightmares was a one-off project featuring the members of British punk and gothic rock band The Damned.

Naz Nomad and The Nightmares released one album entitled Give Daddy The Knife Cindy in 1984. The album was packaged to look like the re-issue of a 1967 soundtrack album to a (fictitious) low budget American horror film. A copyright notice on the front cover claimed the film was "Copyright 1967 American Screen Destiny Pictures", and credits are given for the film's stars, director and producer.

The album itself featured covers of songs by garage rock and psychedelic acts who had influenced the Damned, plus two original numbers in the same style. Each member of the band took on pseudonyms different from those used in The Damned for the project.

 Knos5 envia:

By the End of the Sixties Psychedelia was Pretty Much a Spent Force. Bands were Looking for Something Simpler and More Earthy. Crosby, Stills and Nash Had Gone all Acoustic and Harmonious, the Band Had Achieved a Return to Classic Americana, and James Taylor was Showing the World You Could Be Laid Back and Hip at the Same Time. However, Not Everyone Wanted to Ditch their Fuzzboxes. Inspired by Such Outfits as Cream, Blue Cheer, Hendrix and the Nascent Led Zeppelin, These American Bands were Moving Out of Psych Into Something Less Cosmic and Far Heavier. This Mix of Blooze Rock and Heavy Riffing is Loud and Nasty but it Pre-dates Metal. It's Pretty Tripped Out, but It's Not Really Psychedelia. It's the Sound of Guitar, Bass and Drums (And the Occasional Hammond Organ) Just as it was Meant to Be, Cranked Up and in Your Face. No Frills, Just Power Chords and Stomping Riffs. Stamp on that Big Muff and Solo Till Your Brain Drops Out.

 Rabat envia:

Re-edición 40 aniversario de la publicación del LP original, ahora en 2 CDs.
En el CD1: los temas del 1 al 7 inclusive son los que conformaban dicho LP, ahora 40 años despues la disquera propietaria de la obra estiran la "leche de la vaca", "marean la perdiz" hasta completar 2 CDs. Tomas variadas de los temas, fundamentalmente "All Right Now", obviamente el super tema que se convirtió en un himno y eclipsó a una banda "digna" que tuvo la suerte o la desgracia según se mire de que su más que estimable guitarrista "Paul Kossff" se engolfase, más tarde pasase de ellos y posteriormente se muriese según los patrones de la época.
Todo lo cual no debe hacer que se nos pase por alto que "Andy Fraser" fuese un estupendo bajista y más si tenemos en cuenta que sólo tenía 16 años, y el vocalista "Paul Rodgers" fuese uno de los pioneros en lo que se refiere a todo lo que vino despues en el campo del HardRock, o el Heavy.
Claro que años despues cometió la tremenda equivocación de aceptar la oferta de reemplazar a ...ahora no me sale el nombre en los "QUEEN"
Antes en el 73, junto con el bateria Simon Kirke y el añadido del ex-bajista de King Crimson "Boz Burrell y el guitarrista, también exMott The Hoople, Mick Ralphs, fundó "BAD COMPANY" con enorme éxito en los USA y probablemente sin quererlo abrir el camino a lo que se llamó AOR.
Es posible que me esté equivocando y en algún sitio de esta nuestra "webera" alguién hubiese subido el disco anteriormente, pero por si acaso.
En un breve resumen para aquellos que no lo tengan o no lo hayan escuchado nunca, el disco contiene: Un super-himno "All Right Now"; una balada prototipo de la época "Don´t Say You Love Me"; un excelente tema que va creciendo "Mr. Big", con un excelente trabajo de su bajista; y cuatro canciones más en donde los cuatro músicos demuestran que fueron una cuasi grande-banda.
Los de "All Music" comentan que si no hubiesen existido los "Fleetwood Mac; "Humble Pie"; o "Foghat"; Ellos hubiesen sido recordados como unos de los más grandes post-Beatles, pues bueno...eso.

 Emerad envia:

It's an eyebrow-raising experience to encounter the cover of "River Deep, Mountain High" that opens the Animals 1968 album, Love Is. Clocking in at nearly seven and a half minutes, it's the weirdest version of the song ever cut. Self-produced by the band, it juxtaposes vocalist and bandleader Eric Burdon's staggering abilities as a rhythm & blues singer with few peers with then-modern-day psychedelia. The Phil Spector, Ellie Greenwich, Jeff Barry-penned vehicle for Ike & Tina Turner was never envisioned like this. There are moments of pure greatness in the track, a rough, garage-hewn rock and R&B foundation underscored by Burdon's blues wail is, unfortunately, completely messed over by the sound effects and his insistence on yelling "Tina, Tina, Tina..." ad nauseam in the bridge. Ugh. And this is just the beginning. This version of the Animals contained enough serious players that they should have known better: Burdon, keyboardist Zoot Money, drummer Barry Jenkins, bassist John Wieder, and a young guitarist who'd been booted from Soft Machine after a very brief period named Andy Summers. For those who found charm and even inspiration in the Twain Shall Meet and Winds of Change -- both recorded in San Francisco -- Love Is may hold some sort of place in the heart. For those who looked back to the Animals catalog that included such dynamic albums as Animalism and Animalization as well as a slew of killer four-track EPs, this must have seemed like the bitter end. It was. On the other hand, this train wreck of an album has some interesting moments -- mainly for hearing how hard they tried to imitate other acts who were successful while at the same time trying to forge a new identity from the ruins of who they once were as a band whose day had come and gone. The utterly awful reading here of "Ring of Fire" is almost laughable. Other covers include a rave-up cum psychedelia version of Sly Stone's "I'm an Animal," Traffic's "Coloured Rain," and the Bee Gees "To Love Somebody.".........................

 Rabat envia:

Inicialmente pensada para grabar canciones sin pretensiones de convertirse en una banda al uso, ya que los dos grandes cabecillas de "Pavement" vivian en ciudades diferentes.

Sin embargo, y ante la calidad de los temas que habían conseguido componer, se terminaron convirtiendo en una de las bandas de referencia de lo que se terminó etiquetando como "Indy Music" durante los años 90. Y ahora que ha pasado el tiempo y ante la cantidad de jovenes grupos que transitan por la senda que abrieron ellos se podría considerar que se han convertido en leyenda.

Durante el 2010 han girado en las ya tipicas giras para hacer caja ya que según el Sr. Malkmus, no parece que tengan intención de repetir.

Este su primer disco nos puede valer para complementar junto con el "Crooked Rain" (que proximamente se va a incluir en "discos ocultos" el puñado de canciones interesantes que compusieron.

 Kikas envia:

Vox Dei (Quilmes, Buenos Aires, 1967) was a pioneer group in the Argentine rock, other than the previous outfits, which were mere Beatles or Rolling Stones photocopies, and also it was one of the first bands featuring lyrics in Spanish, having a proper style and avoiding the commercial trends of its time (mid-late 60s), the so-called 'beat music' over there.
Vox Dei started as a quartet called Mach 4, same line up which recorded this 1970 debut "Caliente" (hot): Ricardo Soule on guitar and vocals, Willy Quiroga on bass and vocals, Ruben Basoalto on drums, and guitarist Jorge Carlos 'Yody' Godoy.
In this first record may be noted influences from the Jimi Hendrix or Cream rock, though still featuring a curious facet, fond of the more melodic tunes, with a Beatles flavor.
"Caliente" was released by the local and short-lived Mandioca label, the album is technically pretty poor, the sound is bad, possibly the budget was ridiculously low, if it even existed, and the style is terribly 60s and dated, even for 1970, but the songs are pretty good, most of them: including highlights like "Reflejos", "Compulsión", "Total Que" or both ballads: "Canción Para Una Mujer (Que No Está)" and "Presente", which would turn into their best-known tune.
This album was re-recorded in 1972, as trio (without Godoy), showing a heavier sound, mixing the early Black Sabbath with Led Zeppelin, and being re-entitled "Cuero Caliente" (hot leather).
Outrageously out of print during decades, "Caliente" was re-issued on remastered CD by Sony (Sony bought the Mandioca's back catalogue) and it was graced with some early singles, included as bonus tracks, but the sound it’s still highly defective; a curious piece of archaeology. (by Death Metal Doll from RYM)......................

 Fulcanelli envia:

Este álbum es un viaje eterno al corazón de Mississippi y Nueva Orleans.
Hay perfumes y notas que nunca mueren. Eric Bibb "el sabio" bien lo sabe. Tranquilo y profundo. Con temas sobresalientes, tales como "Champagne Habits", "Higher and Higher" y "Too Much Stuff" realmente empujando los límites del blues acústico hasta donde puede llegar, lo que supone una relevancia y una convicción que no se oía desde los primeros pioneros del blues. Acústico mezclado con eléctrico, guitarra dobro y piano con loops de batería que suenan más contemporáneos para crear un telón de fondo de su voz magnífica y aterciopelada, Bibb crea una atmósfera de pasión casi profética y de sinceridad...............

 Emerad envia:

Los Troggs se formaron en 1964 y consiguieron un contrato con el mánager de The Kinks, Larry Page) en 1965. Grabaron su trabajo con el sello discográfico de Page, Page One Records, y Page les envió a la casa CBS para su primer sencillo "Lost Girl".1 Su éxito más popular fue "Wild Thing", escrito por Chip Taylor, que alcanzaría el número 2 en las listas británicas y el número 1 en las listas norteamericanas (julio de 1966). Gracias a una combinación de un riff pegadizo y una lírica coqueta pronto se convertiría en un estándar en el rock de garage. Otros éxitos fueron With a Girl Like You (julio de 1966), I Can't Control Myself (septiembre de 1966) y Any Way That You Want Me (diciembre de 1966). Los Troggs se anticiparon con sus mayoritariamente sencillas y agresivas canciones a lo que sería la música punk rock. Con Love Is All Around y Night of the Long Grass cosecharon éxitos en 1967 en la entonces popular música psicodélica. Por falta de éxitos la banda se disolvió en marzo de 1969.1 Ronnie Bond fue el primero que probó suerte en solitario con el sencillo Anything For You, en marzo de 1969. A él le siguió Reg Presley con Lucinda Lee un mes más tarde. Chris Britton publicó su álbum en solitario As I Am ese mismo año. La banda se volvió a juntar ese mismo año con el bajista de Plastic Penny, Tony Murray, que sustituiría a Staples, y en 1974 trabajaron de nuevo para Larry Page, entonces con la discográfica Penny Farthing Records. La versión de la canción de los Beach Boys Good Vibrations y una versión reggae de "Wild Thing" no tuvieron éxito. En 1992 los Troggs grabaron con la ayuda de R.E.M. un álbum titulado Athens Andover que obtuvo una buena crítica, aunque las canciones nunca se tocaron en directo. Para el álbum Larry Page reactivó su sello Page One Label.

 Knos 5 envia:

In the wrong hands, the blues are a quick trip to Cliché City, a place where there’s no lyrical or musical problem that can’t be solved in the exact same way as thousands of musicians before him or her have done. In the right hands, it helps them tap into something elemental, as is the case with Johnny Sansone’s new album, The Lord is Waiting and the Devil is Too. In recent years, it seemed like his creativity found its best outlet through idea-oriented, narrative roots rock, but this album is about intensity.
Producer Anders Osborne creates space for Sansone’s voice and harmonica by foregoing a bass guitar, instead letting his own distorted guitar or Stanton Moore’s tub-like drums nod to that part of the sonic spectrum. The results are lean, hard and haunted, defined by Sansone’s barking, preaching vocals and his overdriven harmonica, which rips and shreds whenever it takes center stage. On the instrumental “Corn Whiskey,” his harp has the electric, aggressive attack of a guitar in the midst of a feedback frenzy.
Sansone’s narrative impulses aren’t entirely behind him. The title track’s the best story, but it still is alive with menace as he follows the song’s title in the chorus with “Better find the Lord / before I find you.” Otherwise, lyrics set moods or establish directions not to work through an idea as much as to work a feeling out of his system. Since the imagery’s bleak (“Down,” “Sinking Ship,” “Where’s Your Heart”), it’s probably for the best that he get this stuff out—for himself and certainly for us.

 Rabat envia:

TRAFFIC no es un grupo de rock progresivo, pero su estructura musical desplaza a la convencional para situarse como uno de los más importantes grupos de principios de los '70 en la Gran Bretaña y como un grupo que hizo rock inteligente, no comercial en su generalidad, y con progresiones musicales gracias al trabajo de WINWOOD. Son sus elementos jazz, su improvisación y algunos momentos prog lo que me hizo considerarlos en este espacio, de la misma forma que lo hice con grupos como GRAND FUNK, MANFRED MANN'S EARTH BAND, PAVLOV'S DOG o SUGARLOAF.

Esta opinión expresada por nuestro compañero en el 2006, que aunque puede que yo no esté de acuerdo con algunas de las opiniones o similitudes que nos cuenta, no quita que nos "mostrase" uno de lo grandes discos de los años 60 y que nos sirve para poder compararlo con el recientemente enviado por "fulcanelli" del año 1974 "When The Eagle Flies".

Disfrutarlo.

 Coscolin envia:

De Tom Petty ya lo sabemos todo ahora pero yo solo conocía algunos temas de su primer disco por unos singuels que compre Y me encantan, este esta publicado en la web por emerad hace ya mucho tiempo.

No seguí su carrera pero este estupendo disco que me parece excelente, ahora os lo ofrezco ripeado del vinilo, me suena muy bien y me a gustado recordarlo porque lo disfrute mucho en su día cuando salio aquí.

Petty no tenía aspiraciones musicales hasta que Elvis Presley visitó su ciudad natal. Tras trabajar con sus primeros grupos The Sundowners, The Epics y Mudcrutch (que incluían a Mike Campbell y Benmont Tench, futuros miembros de los Heartbreakers), comenzó su carrera discográfica como Tom Petty & the Heartbreakers con un álbum titulado como la banda y publicado en 1976. El álbum tardó un año en tener éxito en su país natal. En 1977, la canción "Breakdown" fue relanzada en las radios y se convirtió en un éxito del Top 40 después de que se supiese que la banda estaba siendo muy bien recibida en Inglaterra.

Su segundo álbum, You're Gonna Get It! (1978 ) demostró que la intensidad del primer disco no era casual. Se convirtió en el primer disco de oro de la banda en Estados Unidos y contenía sencillos como "Listen To Her Heart" y "I Need To Know". No mucho después de su lanzamiento, la banda tuvo un litigio cuando ABC Records, la compañía matriz de Shelter, fue vendida a MCA Records. Petty se negó a ser simplemente transferido a otra compañía sin su consentimiento. Se atuvo a sus principios durante nueve meses que al final le llevaron a la bancarrota.

Tras resolverse la disputa, Tom Petty & the Heartbreakers lanzaron su tercer álbum, Damn the Torpedoes (1979), que con el sencillo «Refugee» se convirtió rápidamente en triple platino en Estados Unidos. A este disco le siguió Hard Promises (1981), que no tuvo gran éxito comercial pero recibió buenas críticas.

En su quinto álbum, Long After Dark (1982), el bajista Ron Blair fue reemplazado por Howie Epstein, con lo que se completó la formación final de The Heartbreakers. Sin embargo, Tom Petty tenía problemas para manejar el estrés y el éxito, así que decidió reducir el ritmo de trabajo..................................

 Rabat envia:

Even within the eclectic world of alternative rock, few bands were so brave, so frequently brilliant, and so deliciously weird as the Flaming Lips. From their beginnings as Oklahoma weirdos to their mid-'90s pop culture breakthrough to their status as one of the most respected groups of the 2000s, the Lips rode one of the more surreal and haphazard career trajectories in pop music.


The Flaming Lips formed in Oklahoma City in 1983, when founder and guitarist Wayne Coyne allegedly stole a collection of musical instruments from an area church hall and enlisted his vocalist-brother Mark and bassist Michael Ivins to start a band. Giving themselves the nonsensical name the Flaming Lips (its origin variously attributed to a porn film, an obscure drug reference, or a dream in which a fiery Virgin Mary plants a kiss on Wayne in the back seat of his car), the band made its live debut at a local transvestite club. After progressing through an endless string of drummers, they recruited percussionist Richard English and recorded their self-titled debut, issued on green vinyl on their own Lovely Sorts of Death label in 1985..............

 Knos5 envia:

George Wild Child Butler se mantuvo activo a lo largo de los años 60 y desde 1966 se forma principalmente en Houston y Nueva Orleans. Ha trabajado extensamente con Joe Pleasant and Roosevelt Sykes en New Orleans y el gran Sam Lightnin Hopkins.
Tuvo muchos problemas con las discográficas porque estas querían que firmara un contrato en exclusiva y no estaba dispuesto.
Un disco que refleja la sencillez del blues y la maestría con que lo toca.

 Rabat envia:

The Hitmen:

Johnny Kannis: Lead Vocals
Mark Kingsmill: Drums,Vocals
Chris Masuak: Guitars, Vocals
Tony Robertson: Guitars, Vocals
Brad Shepherd: Guitars, Vocals

"It Is What It Is" publicado en 1982 y editado por RCA tras abandonar WEA fué el segundo LP editado por estos "aussies".

Banda fundada por Johnny Kannis y el guitarrista Chris Masuak, que había militado en los seminales "Radio Birdman". Por su parte Kingsmill y Shepherd participaron también en otra de las bandas míticas, "Hoodoo Gurus", que durante los 80 convirtieron Australia, junto con Suecia, en el semillero de donde se nutrió el conocido como "Rock de Guitarras".

La banda comenzó funcionando bajo el nombre de Johnny Kannis & The Hitmen.Durante la decada del 2000 han girado bajo el nombre de "Hitmen DTK.

Nuestro compañero Madynabeitia subió el 12-Enero- 2008 el primer LP de la banda llamado "The Hitmen" y publicado en 1981 por WEA;

Suscribo totalmente las palabras que escribió por lo que os pongo la reseña que hizo.................................

 Coscolin envia:

Los Smokie son un grupo musical de música rock británico que se hizo popular en Europa en los años 1970.

Inicialmente se denominaron The Yen y posteriormente Essence. El grupo se formó en 1965, y estaba compuesto por Chris Norman (Redcar, Yorkshire, Reino Unido, 25 de octubre de 1950), Terry Uttley (Birkenshaw, Reino Unido, 9 de junio 1951), Alan Silson (Birkenshaw, 21 de junio 1951) y Ron Kelly (1952).
En mayo de 1968 se rebautizaron como The Elizabethans y en otoño de ese mismo año, Kelly abandonó la banda. En agosto de 1969 realizaron dos canciones para un programa de la BBC.
En 1973 Ron Kelly abandona la banda, es entonces cuando llega el baterista Pete Spencer (Bradford, Reino Unido, 13 de octubre 1948 ).
No sería hasta 1975 que graban su primer álbum, Pass it Around que entre otras contiene la preciosa cancion Headspin, alcanzando la popularidad. Pero en 1982 con su poco exitoso álbum, Strangers in Paradise comenzaría su declive y en 1986 Chris Norman, una de las piezas clave, abandona la banda.
A día de hoy, el único miembro original de la banda es Terry Uttley. Chris Norman sigue en activo en una carrera en solitario.

 Knos5 envia:

The Head Cat es un grupo de rockabilly formado por Lemmy Kilmister, Slim Jim Phantom y Danny B. Harvey. El nombre del grupo resulta de la combinación de los tres nombres de sus respectivos grupos Motörhead, The Stray Cats y 13 Cats que dio como resultado The Head Cat.
En 2006 grabaron su primer disco Fool's Paradise el cual incluye versiones de Buddy Holly, Carl Perkins, Jimmy Reed, T-Bone Walker, Lloyd Price, Elvis Presley y Johnny Cash.
En las grabaciones Lemmy toca la guitarra acústica pero en directo usa su bajo Rickenbacker dejando a Danny B. Harvey a cargo de la guitarra.

 Emerad envia:

Preparos los cinturones y apretaroslos bien para el alucinante viaje musical al que os invito.
Esto es UNA OBRA DE ARTE que os dejara a todos totalmente sorprendidos, este es uno de esos discos de los que Jerry diria que a grabar deprisa y al equipo grande para disfrutar a tope del mismo.
Framework es una legendaria banda del area de San Diego formada en 1967 y con un disco prensado con tan solo 500 copias y que ahora gracias a Rockadelic podemos disfrutar junto con mas cosas ineditas de esta banda a caballo del psycho y el blues rock, el resultado es uno de esos discos que impresionan.
Esta edicion conitiene un cd de estudio con cosas grbadas en singles y recortes de sesiones realmente increibles y el segundo cd esta grabado en actuaciones en directo.
Yo no lo conocia nada mas que por referencias y ahora lo tengo y me he quedado totalmente impresionado y creo que a todos os va a pasar los mismo, solo lo puedo resumir en una palabra:
¡¡¡¡ MORTAL !!!

 Knos5 envia:

This CD, 15-track Grand Funk compilation contains just about every single hit that Mark Farner and company recorded out during their magical late-'60s/early-'70s run.
Tracklist:
01. Time Machine [03:45]
02. Heartbreaker [06:35]
03. Inside Looking Out [09:33]
04. Closer To Home / I'm Your Captain [10:10]
05. Mean Mistreater [05:03]
06. Feelin' Alright [04:26]
07. Gimme Shelter [06:17]
08. Footstompin' Music [03:47]
09. Rock & Roll Soul [03:26]
10. We're An American Band [03:27]
11. Walk Like A Man (You Can Call Me Your Man) [04:06]
12. The Loco-Motion [02:58]
13. Shinin' On [05:56]
14. Some Kind Of Wonderful [03:17]
15. Bad Time [02:53]

 Emerad envia:

Normalmente cuando tienes que hacer una crítica de un disco, los ideales son aquellos que tienen buenas y regulares/malas canciones, ya que el contraste es rápido y te permite una veloz evaluación.

¿Pero qué pasa cuando todo el disco es bueno?

Eso es lo que pasa con este disco, una obra maestra de PowerPop, de este grupo atípico del area de Pittsburgh,

El disco se abre con "Snowman" una canción que ya te deja con el oido atento a lo que pueda venir, hasta la sútil y emotiva "If Memories Serve" que lo cierra y así con todas las canciones que lo componen.

¡Que no es sofisticado!, y qué, es un disco con el que te puedes abandonar al placer de escuchar música con la satisfacción garantizada. ¿Qué más quieres?

¡Disfrutadlo! y contarme vuestra opinón.

 Emerad envia:

Este es uno de losgrandes discos de garage de todos los tiempos, espero que no os lo perdais, que lo aprecieis y comenteis vuestras impresiones.

More emotionally complex and reflective than On Fyre, this could well be one of the most mature garage rock records ever recorded. That doesn't mean that energy and excitement are sacrificed for dour introspection -- far from it. This is a total joy from start to finish, and a great place to hang out after a thousand or so spins of On Fyre.

What if say...The Dark Side of the Moon...was played in a forest and no one was listening?
Would it still be great?
My answer is..of course it would. Just like Lyres Lyres.

I've been a music collector for a long time now and what never ceases to disturb me is how truly great music such as this sometimes goes widely unheard or unheralded. I realize that music production has a business side to it but how the catchy, infectious, original songs on this cd have failed to capture a larger audience is beyond me. This disc deserves to be right next to Abbey Road or Exile On Main St. or Doolittle.

Probably like some others, I first heard of The Lyres when their "Help You Ann" was rightly included on the Children of Nuggets fantastic "garage rock" compilation. That box set consisted of songs by various artists released from 1976 to 1996 and my first reaction to hearing their song was to ask why I had never heard of the band before. I've now come to subscribe to a conspiracy theory - Boston just wants to keep The Lyres to themselves.

"Help You Ann" led me to their On Fyre cd but I HAD to have more so I bought Lyres Lyres and while both discs are wonderful, this one is better by a noise. If you like "garage" or 60's oldies or straight ahead rock like any Clash song or the music of more recent groups like The Greenhornes or The Spoons you NEED this cd. Take my word, it will be stuck in your system on repeat for a long, long time.

There isn't a weak song in the set and if band main man Jeff Conolly were to read this I would be truly embarrassed for even offering slight criticisms about any of his gems, but in the past I have found reviews such as the following helpful, so here goes...

 Coscolin envia:

Hoy os presento a una de las muchas bandas que durante los setenta no pudieron sobrevivir a la revolución-musical que sucedió en esos años.

The Sandford Townsend Band

Estamos en 1976 y desde los lejanos tiempos de "Haigh-Ashbury;San Francisco" (10-15 años) el negocio de la música había sufrido un aumento exponencial. Lo que provocó que en las emisoras de radio se instalase, la conocida "payola" ( las disqueras que pretendan que una determinada canción fuese radiada tenian que soltar "pasta"), y que a su vez se institucionalizaran las nefastas listas de reproducción, que al dia de hoy se mantienen como forma de difusión musical. Por lo que el talento o la calidad que pueda poseer una banda pasó a ser considerado como un asunto secundario.

32 años despues, sin embargo, las melodías que nos ofrecen la "Sandford-Townsend Band" mantienen su atractivo y aunque no pienso que esta opinión les valga de nada a ellos, para nosotros escuchar esta música por primera vez nos va a sorprender favorablemente, por lo que siempre es mejor escucharla-conocerla tarde que nunca".

El teclista Ed Sandford (Montgomery-Alabama)y Johnny Townsend (Tuscaloosa-Alabama) habian formado parte de una banda llamada "Heart" que habia rulado por el circuito de Alabama (no confundir con la banda de mismo nombre "Heart" liderada por Ann y Nancy Wilson que funcionó por la zona de Seattle-Vancouver).

En Los Angeles firmaron un contrato con la editorial "Chappell Music" para distribuir sus temas, co-escribiendo "Peacemaker" junto a Kenny Loggins del conocido duo "Loggins & Messina" siendo su tema más conocido.

El LP del año 1976 "Sandford Townsend Band" donde estaba incluida la canción "Smoke from a Distant Fire" alcanzó el puesto nº9 en la "Billboard" y el nº1 en "Cash Box". El LP fue grabado en los famosos Muscle Shoals studios en Alabama. En las siguientes re-ediciones el LP apareció ya con el nombre de la canción "Smoke from Distant Fire".....................

 Knos5 envia:

De vuelta al buen blues.
The CD features Anson Funderburgh in an exciting new role. Not only is Anson laying down more classic Texas Blues guitar licks all over this CD, but he's also lending his experience as arranger and producer to this album. And that results in a landmark album that every blues lover needs in their collection.

The CD is also unique in that a portion of the sales of the album will be donated to help fellow musicians in need via the HART Fund. The HART Fund (Handy Artist Relief Trust) is a service provided by the Blues Foundation which provides for acute, chronic and preventive medical and dental care as well as funeral expenses for blues musicians.

 Emerad envia:

The Paisleys' sole album is period, late-'60s psychedelia, the kind that's not bad when you listen to it once in the background, but is hard to recall with any specific detail after it's been shelved. More based around relatively light electronic keyboards than many other similar records of the era, the songs are heavily colored by naïvely cosmic lyrics whose sentiments are easier to admire than they are to hear verbalized. A bit of irreverence pokes through in the Lothar & the Hand People-like phasing/electronic squiggle effects of "Now" and the Bo Diddley beat and simulated orgasmic squeals of "Diddley," though the harpsichord-textured "Wind" is a half-decent journey into the more ponderous, droning side of the psychedelic experience. The short songs on side one work much better than the 18-minute "Musical Journey" opus that takes up all of side two, including a pit stop for a mock baseball broadcast. [The 2003 CD reissue on Sundazed adds six bonus tracks, all but one of them previously unreleased, from 1968-1970 demos, outtakes, and live recordings.]

 Rabat envia:

Joey Burns y John Convertino aglutinan alrededor de ellos y con su base de operaciones en Tucson-Arizona a un colectivo de músicos que se dedican a investigar e interpretar la cultura musical existente en el sudoeste de los USA y especificamente la música que se toca a lo largo de la frontera con Mexico.

De hecho el nombre de la banda está tomado de un pueblo llamado "Calexico" que estaba dividido en su mitad por la frontera.

John Convertino y joey Burns durante un tiempo formaron parte de una de las bandas "independientes" más interesantes de estos últimos 20 años,"GIANT SAND", liderada por Howe Gelb. Y parece ser que por las noticias que han trascendido sus relaciones no acabaron de una forma amistosa.

Incorporando instrumentos no habituales en la música Rock, pero si mucho más habituales en la música que se hace al sur de la frontera (marimba,trompeta,etc), intentan captar los sonidos del desierto o de las cantinas existentes en los pueblos fronterizos, creando texturas y atmosferas de gran sensualidad .

"The Black Light" publicado en 1998 es su segundo trabajo, mucho más interesante que el primero llamado "Spoke" publicado en 1997. Temas como "chach" reflejan exactamente los sonidos que pretenden captar. Con sus trabajos más recientes han adquirido una popularidad que probablemente se merecen.

 Coscolin envia:

Rain Parade - Beyond The Sunset-1985

Para continuar la saga de este grupo os envio el tercer LP, Grabado en directo en Tokyo el 16 de Diciembre de 1984, lugar Shibuya Hall, aunque casi no se oye al publico, temas como "No Easy Way Down" o "Prisoners" hacen las delicias de cualquier amante de la buena musica, este vinilo en España salio en el 86 como en el sello pone, escaneado de alta calidad, cada día me lo paso mejor recuperando vinilos, tengo mucho tiempo ahora y es una gran distracción, que lo disfrutéis.......................................